В ходе аукционных торгов за «Мальчика с трубкой», который считается шедевром «розового периода» Пикассо, разгорелась настоящая борьба, которую вели семь покупателей, как присутствующие в зале, так и участвующие в торгах по телефону. Через семь минут все было кончено: аукционер принял последнюю ставку от менеджера Sotheby’s, представлявшего интересы неизвестного покупателя, и зал разразился овацией.

Работа считается в какой то степени переломной для Пикассо. После жизнерадостной череды акробатов, танцовщиц и арлекинов он неожиданно написал чистый и простой, несколько печальный портрет парижского юноши. По некоторым данным, изображенного юношу звали «малыш Луи»; он был то ли актером, то ли безработным, нередко наблюдал за работой мастера, и их связывали приятельские отношения. В любом случае, образ Луи встречается в сюжетах целого ряда холстов Пикассо.

Известны и обстоятельства создания картины. Около месяца она оставалась незавершенной, но однажды вечером Пикассо неожиданно покинул компанию приятелей, вернулся в студию на Монмартре, достал картину, дополнил ее розовым фоном (розовые обои с букетами) и увенчал голову мальчика венком из роз. Неожиданный порыв вдохновения художника подарил миру еще один шедевр.

В картине ценителей поражают точно переданное художником трогательное настроение меланхолии и поэтичность композиции, как будто возвращающие зрителя к предшествующему «голубому периоду» творчества мастера.

Провенанс «Мальчика с трубкой» хорошо прослеживается: работа десятки раз выставлялась на тематических выставках (в нью йоркском Музее современного искусства, лондонской галерее Тэйт и др.), упоминалась в каталогах; известны ее прежние владельцы, начиная с 1910 г. В 1950 г. шедевр «розового периода» приобрели супруги Уитни. Значительно позже они передали свое имущество в фонд Greentree Foundation, который занимается защитой прав человека, международными благотворительными и образовательными проектами. Руководство фонда как раз и выставило «Мальчика с трубкой» на торги вместе с 34 мя другими холстами из коллекции семьи Уитни.

Пабло Пикассо - Мальчик с трубкой, 1905г., Цена - $104,168 млн, год продажи - 2004

Гордая, чувственная, презирающая условности, Дора Маар была звездой парижской художественной богемы. С черными, как вороново крыло, волосами и бронзово-зелеными глазами она буквально завораживала мужчин своей надломленной, «конвульсивной» красотой. Кроме того, женщина-фотограф отличалась экстравагантной элегантностью: любила широкополые шляпы и длинные перчатки, курила сигареты с мундштуком длиной не менее 25 сантиметров и красила заостренные ногти в пурпурный цвет. С неизменным «Роллейфлексом» в руках Дора Маар буквально ворвалась в столицу мирового искусства, которой тогда был Париж, и быстро стала известным фотографом моды и рекламы, автором оригинальных светских портретов и сюрреалистических фотомонтажей. Она фотографировала калек в Лондоне и слепых в Барселоне, клошаров в Париже и жонглеров в Лиссабоне, создавая таинственную и жуткую атмосферу, подчеркивая причудливость и гротескность жизни, не боясь соединять прекрасное и безобразное, роскошь и нищету. Навязчивой темой Доры Маар были неестественно-изогнутые человеческие тела и странные экзотические животные. В своих оригинальных фотомонтажах она нарушала пропорции предметов, сочетала несовместимые идеи, использовала оригинальные ракурсы, и уже здесь можно было обнаружить зачатки ее болезненной склонности к страху и меланхолии.

Критики утверждали, что Дора Маар нажимает на кнопку аппарата в тот момент, когда реальность «расстраивается». Они отмечали «необычный, волнующий» характер ее фотографий, излучающих «тревожную странность бытия». Острый взгляд фотохудожника проникает в затемненную сторону вещей, писали комментаторы, называя ее стиль «трагическим барокко» и «эстетикой катастрофы». И в беззаботном гомоне «веселого Парижа» уже начинали звучать истерические нотки, и песенка «Все хорошо, прекрасная маркиза» стала приобреть новый смысл и странную популярность. Город еще оставался «праздником, который всегда с тобой», но в нем уже вспыхивали финансовые скандалы, и на улицах коммунисты схлестывались с крайне-правыми.

Вся семилетняя история их любви была под стать той причудливой первой встрече — романтической и трагичной. Позднее утверждали, будто надменная и сумрачная Дора с лицом святой не случайно оказалась в этом кафе, а сплела настоящий заговор с друзьями-сюрреалистами, чтобы завлечь художника в свои сети. Пикассо ответил согласием на предложение сделать его фотопортрет и в этот же вечер вместе с Дорой отправился в ее студию на улице Асторг...

Негативы этого фотосеанса были найдены в архиве Доры Маар после ее смерти. Настоящее имя Доры — Теодора Генриетта Маркович (1907—1997). Она была дочерью хорватского архитектора и француженки, выросла в Буэнос-Айресе, где проектировал здания ее отец, и бегло говорила по-испански. В 1926 году Дора вернулась во Францию и стала посещать студию художника Андре Лота, где познакомилась с крупными мастерами фотографии — Анри Картье-Брессоном, Брассаем и Мэном Рэем. Вскоре она сблизилась с французскими сюрреалистами и, выбрав себе псевдоним Дора Маар, стала «музой» этого авангардистского движения.

Дора никогда не позировала Пикассо, и все же он написал множество ее портретов — графических, классических и кубистских, в шляпе, с зелеными ногтями, в образе химеры. Самый известный из них — «Рыдающая женщина», который, по мнению критиков, символизирует страдания Испании под фашистским игом. Комментаторы высокопарно писали, что слезы Доры Маар — это «слезы тысяч женщин, потерявших мужей в гражданской войне в Испании». Но, может быть, недаром утверждают, будто портреты отнимают у людей жизненную энергию, навлекают болезнь, измену и разлуку, а некоторые религии даже запрещают изображать человеческие лица. Например, Огюст Роден никогда не просил позировать свою жену и прожил с ней долгую жизнь. А вот свою музу Камиллу Клодель он запечатлел в знаменитом «Поцелуе», и натурщица провела два десятилетия в сумасшедшем доме...

Пабло Пикассо - Портрет Доры Маар, 1941г., Цена - $95,216 млн, год продажи - 2006

В 1890 году Моне купил дом и землю в небольшом местечке Живерни и решил сделать у себя пруд и вырастить там кувшинки из семян, заказанных в Японии. Зарождение подобного замысла было связано с большим интересом и любовью художника к японскому искусству и, в частности, к гравюрам Хиросигэ и Хокусая, получившим распространение в Европе после 1870 года.

Сад занимал около двух акров, и часть его раскинулась по другую сторону дороги. Рядом был небольшой пруд; Моне купил его вместе с прилегающей землей в 1893 году. Обращаясь в префектуру за разрешением на переустройство пруда, Моне писал, что это необходимо «ради праздника для глаз и мотивов для живописи».

Получив от местных властей разрешение, он переделал его в водяной сад, через шлюзы пустив в него воду близлежащей речки Эпт. Вокруг пруда он высадил цветы и кустарники: частью местного происхождения - малину, пионы, остролисты, тополя; частью экзотические растения - японскую вишню, розовые и белые анемоны.

Сад, что был раскинут по другую сторону дороги и вокруг пруда, производил впечатление экзотическое и романтическое. При его планировке Моне следовал советам японского садовника, гостившего какое-то время в Живерни: среди скромной привычной растительности тут выделялись китайские гинкго, японские фруктовые деревья, бамбуки, японский мостик, словно перекочевавший сюда с гравюры Хокусая. В пруду плавали кувшинки, а сад был испещрен лабиринтом вьющихся и пересекающихся тропинок.

Осенью 1899 года в Живерни Клод Моне начинает цикл «Кувшинки», над которым работал до самой смерти. Это самый любимый уголок Моне в Живерни, который он писал особенно часто, - пруд с кувшинками и всегда прозрачной водой, окруженный деревьями и цветами, с легким японским мостиком в форме спины ослика. Сквозь густую зелень сада проглядывается голубое небо. На фоне основного зеленого контраста горят яркие белые, розовые, желтые пятна венчиков и кувшинок. Свисающие ветви плачущих ив, образуют сплошную стену, отгораживающую этот уголок от остального мира.

«Понадобилось какое-то время, чтобы я смог понять, что собой представляют мои кувшинки. Я их высаживал и растил просто ради удовольствия, без всякой мысли, что буду писать к них картины... Восприятие живой природы приходит к нам не сразу» (Клод Моне).   

Клод Моне - Пруд с кувшинками, 1919г., Цена - $80,5 млн, год продажи - 2008

Джаспер Джонс вырос в городке Аллендэйл Южная Каролина и, описывая этот период своей жизни, он сказал, «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я действительно не знал, что это такое». Джонс некоторое время учился живописи в университете Южной Каролины — с 1947 по 1948, в общей сложности три семестра. Затем он переехал в Нью-Йорк, где познакомился с Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов. В 1958 владелец галереи Лео Кастелли открыл для себя Джонса во время визита в студию Раушенберга.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса Флаг (1954-55), которую он нарисовал после сна об американском флаге. Его работу порой относят к нео-дадаизму, а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись. Скульптуры Джаспера Джонса представляют собой отлитые в бронзе обыденные предметы, например электрический фонарик, лампочку или зубную щетку. Одно из наиболее известных произведений Джаспера Джонса — две бронзовые банки из-под пива.

Джаспер Джонс - False Start, 1959г., Цена - $80 млн, год продажи - 2006

Сюжет для нее Ренуар нашел совсем рядом с домом, на улице Корто, в одноименном ресторане "Мулен де ла Галетт", получившем название из-за вкусных галет, которые здесь подавали. Монмартр постепенно обрастал жилыми кварталами. Некто месье Дебре превратил в ресторан последнюю из сохранившихся на холме ветряных мельниц на вершине Монрмартского холма.

Собственно танцевальный зал располагался в деревянном сарае, выкрашенном в ярко-зеленый цвет. В хорошую погоду танцующие выходили во двор, где по кругу стояли лавки и столы. Вечерами в субботу и по воскресеньям в "Мулен де ля Галетт" собирались потанцевать приказчики из магазинов, швеи, молодые художники, литераторы, актрисы и просто веселые девушки с Монмартра. Ренуар любил веселье и непритязательную обстановку местной таверны. Здесь же он делал свои первые наброски. Эта атмосфера вдохновила Ренуара, искавшего образ, насыщенный светом, на создание его знаменитой "Мулен де ля Галетт".

Чтобы писать фигуры в картине на пленэре, приходилось выносить большой холст в сад, где свет, играя, проходил сквозь листву акаций, усыпая землю и одежду танцующих голубыми и розовыми бликами. Чтобы фигуры получились более реалистичными многие друзья позировали художнику для этой большой композиции. За столом сидят три друга автора: Фран-Лами, Генетт и Жорж Ривьера. Пара слева - испанский художник Дон Пдро Видаль де Соларес и Карденас и Марарита Легран, любимая натурщица Леграна. Среди танцующих можно узнать живописца Анри Жерве, журналиста Поля Лота, художника Фредерик Корде. В центре, на переднем плане, две сестры - Эстель и Жанна, которых Ренуар нашел на Монмартре.

Поразительную новизну картины прекрасно выразил Жорж Ривьер, друг и биограф художника: "Никому до Ренуара не приходило в голову изобразить в полотне столь значительного размера кусок поседневной жизни: это отважный поступок, который вознаградит заслуженный успех". Но не обошлось и без враждебных нападок. Критика, восхищаясь композицией картины, вместе с тем, называла несуразицей изображение людей, "танцующих на поверхности, похожей на лиловые облака, покрывающие небо во время грозы".

Но спустя годы Гюстав Жефруа, наиболее проницательный защитник импрессионизма, произносит самую восторженную похвалу картине: "Бал в Мулен де ла Галетт" - одно из удачнейших произведений, основанных на непосредственном наблюдении и использовании света для создания атмосферы; в нем выражены и опьяние танцем, и шум, и солнечный свет, и пыль, поднятая танцующими на открытом воздухе, и возбуждение на лицах, расслабленные позы, и ритмический водоворот платьев, розовых, светло-синих, темно-синих, черных; и взрыв страсти, неожиданную печаль, внезапную ярость, наслаждение и усталость..."

Пьер Огюст Ренуар - Бал в Мулен де ла Галетт, 1876г., Цена - $78,1 млн, год продажи - 2002

Если это лучшее, то представляю себе какая мазня всё остальное.
Да я на снегу выссу красивей, ноя не еврей и не пидор как какой-нить Пикассо.

Подпись автора

Пришёл, увидел, нафлудил.
Ценишь шутку юмора - думай мозгом ума головы!
я дикий мужчина: яйца, табак, перегар и щетина

вероятно в натуральном виде эти картины выглядят как-то иначе, более солидно и стояще, но смотря на картинки, я бы ни одну из них не взял, тем более за такие деньги. разве что может быть ещё эту: Пьер Огюст Ренуар - Бал в Мулен де ла Галетт, самую "дешёвую".